ANÁLISIS DE OBRAS

Qué elementos importantes, tengo que  conocer para el análisis de una obra?

  • Tener conocimientos sobre los  elementos visuales.
  • Conocer las diferentes técnicas utilizadas para realizar una obra.
  • Investigar sobre los materiales y soportes .
  • Adquirir conocimientos básicos para una composición artística.
  • Diferenciar los diferentes momentos artísticos en la historia del arte
  • Conocer los principales artistas que han sobresalido a través del tiempo.
  • Diferenciar el momento social, político, económico y religioso que vivía el artista al momento de realizar su obra, etc..

Como la comprensión de contenidos es más efectiva  con la utilización de imágenes, he seleccionado estos videos sobre algunas obras  y  artistas más reconocidos de la historia.

EXPRESIONISMO: EDUARD MUNCH. “EL GRITO”

 

analisis del cuadro

1. introducción

Escogí a este autor porque pienso que puede ser un pintor que a los niños le puede gustar. Por esta razón, y debido a que tenía muy claro que quería llevar a la práctica la parte pedagógica, lleve este cuadro a mis alumnos de segundo de primaria ( la parte pedagógica la he desarrollado para alumnos/as de esta edad). Ellos ya conocen otros pintores: Picasso, Murillo, Bangkok,…Cuando les puse en la pantalla digital este cuadro les gusto mucho, les llamo mucho la atención las ramas y las figuras tan grandes a los lados, por esta razón pensé que sería una buena opción.
Por medio de sus pinturas Gustav Klimt plasma todo lo que siente en ese momento, tanto su dolor, su pena, su rabia, sus deseos y también como no su alegría. Antes de describir el cuadro vamos a hacer un breve recorrido por la vida de este gran pintor.

Gustav Klimt fue el más famoso de los artistas austriacos de su tiempo. Pero pese a eso, los aspectos personales de su biografía son todavía hoy un misterio apenas desvelado. Sólo es posible revisar los hechos de su trayectoria pública; algo a todas luces es insuficiente para esclarecer las complejidades de una obra refinada y hermética, cuyo elaborado simbolismo se atiene a menudo a claves íntimas.Nació en Baumgarten, cerca de Viena, en el seno de una familia de tradición artesana que, en parte, reflejaba la pluralidad nacional del Imperio austrohúngaro. Su madre era vienesa, y su padre, Ernst Klimt, orfebre de origen bohemio que orientó a sus tres hijos varones del matrimonio nacieron también cuatro hijas- hacia su mismo camino profesional.De esta forma, Gustav Klimt, el mayor de los varones, ingresa en 1876 en la Escuela de Artes Aplicadas del Museo Imperial de Arte e Industria de Viena, institución fundada pocos años antes con el fin de mejorar la situación de las artes industriales en el Imperio. Allí se hará con una sólida formación técnica y teórica y, al terminar sus estudios en 1883, constituye con su hermano Ernst y su compañero Franz Matsch la “Compañía de artistas”.

La Administración imperial estaba empeñada en la promoción de las artes decorativas, y el proyecto monumental de la Ringstarre –una avenida circular en torno al casco histórico de Viena donde se localizarían los principales edificios institucionales y culturales del Imperio-, entonces en plena realización, proporcionaba una inmejorable oportunidad a artistas, arquitectos y artesanos. Después de foguearse en algunos encargos lejos de la capital –como la decoración del Teatro Municipal del Fiume, en Croacia, entre 1883 y 1885-, los tres socios decoran la escalinata del Burgtheater entre 1886 y 1888 y, tres años después, su éxito les vale el encargo de las pinturas decorativas para las enjutas e intercolumnios de la escalera del Museo de Historia del Arte, otro de los grandes edificios de la Ringstrasse. En 1888, por otra parte, Klimt había pintado para el concejo vienés una vista interior del viejo Burgtheater que le valió en 1890 el Premio del Emperador. Con menos de treinta años, Klimt era ya uno de los artistas más prestigiosos de Viena.La muerte de Ernst en 1892 pone fin a la “Compañía de artistas”, pero la reputación de Klimt alcanza su cima apenas dos años después, con el encargo de tres paneles sobre la Filosofía, la Medicina y la Jurisprudencia para el techo del Aula Magna de la Universidad, también en el Ringstrasse vienesa. A partir de entonces, el idilio de Klimt con la Aministración imperial empieza a enturbiarse. Así, en 1897, el pintor encabeza la fundación de la Secesión, un grupo de artistas y arquitectos vieneses que se separa de la Asociación de Artistas con la declarada voluntad de afirmar la modernidad artística y poner la escena vienesa en contacto con las nuevas tendencias europeas.En 1905, Klimt y otros artistas próximos a él abandonan la Secesión, aunque mantienen los mismos ideales, expresados en la gran exposición de la Kunstschau de 1908.Klimt no se casó, aunque tuvo varios hijos naturales, de los que reconoció al menos tres.La obra de Gustav Klimt reúne: la singularidad, la impresión de que en ella se encierran claves íntimas; pero, al mismo tiempo, es una síntesis casi exhaustiva de las inquietudes, tendencias y lenguajes de la convulsa escena artística moderna europea de los años del cambio de siglo. Klimt alentó la modernización y la apertura del arte austriaco a las tendencias europeas; en él confluyen la influencia del Jugendstil alemán de Munich, el Modern Style escocés de Mackintosh y la lección de impresionistas y posimpresionistas franceses con la herencia simbolista del romanticismo alemán y nórdico.El objetivo de Klimt era un arte idealista y autorreferencial, liberado de hipotecas y compromisos más allá de sus exigencias intrínsecas.

Salvo contadas excepciones, consagró sólo a mujeres su celebrada faceta de retratista y sus personajes alegóricos encuentran una traducción femenina. El significado de lo femenino en Klimt siempre ha sido un asunto controvertido para la crítica. La mujer es el catalizador mítico del simbolismo de Klimt, imagen de la vida y de la muerte; amenaza y promesa a un tiempo.

En el periodo que Klimt estuvo pintando esta obra se encuentra en unos de los momentos más importante de su vida profesional. En 1904 comienza los dibujos para la decoración del Palacio Stoclet de Bruselas, que finalizó en 1909. En 1908 se encuentra en lo más alto de su carrera, con algunas de sus pinturas más famosas como El beso, Dánae y Judith II. El estilo de Klimt y el que utiliza en este cuadro es el simbolismo, es muy difícil definir el simbolismo de una forma general. Klimt aparte de ser pintor también fue decorador, y el árbol de la vida fue una de sus últimos trabajos decorativos. El árbol de la vida es una parte de la decoración que Klimt hizo para el palacio de Bruselas.

2. Tratamiento.

-Título: El árbol de la vida.
-Autor: Gustav Klimt.
Fecha: 1905-09
-Localización: Österreischisches Museum für Angewandte Kunst.

Los materiales que ha utilizado el autor es un lienzo de forma rectangular, siendo sus dimensiones de 195x 102cm.

La técnica que ha utilizado el autor es pintura al temple. la pintura al temple se puede realizar con el agua, algún tipo de grasa de animal u otra materia orgánica.

En este cuadro predominan las formas geométricas, sobre todo en el vestido de la mujer que esta en la parte izquierda del cuadro y en el manto que tapa a la persona que esta abrazada con la mujer de la derecha del cuadro. También hay formas geométricas en el suelo del cuadro y en el tronco del árbol. Las otras formas que predominan en el cuadro son las formas circulares que están en las ramas del árbol.

Respecto a las líneas éstas se observan claramente, pues delimitan las figuras de los extremos.

3. El color.

La mayoría de colores que usa Klimt en esta obra son colores de tono naranja. También utiliza colores neutros como el marrón. La mujer que está a la izquierda, en su vestido predominan colores como el naranja, el amarillo y también pero en menos cantidad el azul, el negro y el verde. En la mujer que está abrazada con otra persona, predominan colores como el marrón, el negro, el verde, el naranja y el blanco. En el árbol y el suelo, que parece como si fuera la tierra, predominan colores el color marrón, el negro, el verde y el naranja. También hay color negro y blanco en el pájaro que está en la rama del árbol, como ya he dicho antes.
La luminosidad del cuadro varía porque hay más luminosidad en el centro del árbol, mientras que los otros elementos de cuadro están menos iluminados.

4. Formas de expresión.

Esta pintura es una pintura simbólica, del estilo de Klimt. El tema de este cuadro es el árbol de la vida, también se puede llamar el árbol de la sabiduría. El tema que trata Klimt en esta obra es uno de sus temas claves en muchas de sus obras, que es la vida y la muerte. El árbol de la sabiduría es un símbolo de la Edad de Oro, porque recoge todos los temas que tenían importancia para Klimt, como la mujer o el amor. Destaca que la muerte es representada con el pájaro negro. También hay que destacar el abrazo de las dos personas de la derecha y la mujer de la izquierda como los está mirando.

5. El espacio.

En esta obra hay tres elementos. En la parte izquierda del cuadro hay una mujer de perfil, con el pelo negro, en el pelo lleva como una diadema de color oro. En frente de esta mujer, es decir en la parte derecha hay otra mujer, parece que está abrazada con otras personas, pero la otra personas y el cuerpo de ella están tapados con una especie de manto.

En el centro del cuadro hay un árbol de color marrón, las ramas de ese árbol están esparcidas por todo el cuadro, estas están acabadas en forma circular. También hay otros elementos, aunque menos importantes que están en las ramas del árbol, como por ejemplos platos, y también hay unos elementos con forma de setas que tienen la función de decorar. Otro elemento muy curioso, hay un pájaro de color blanco y negro que está apoyado sobre una rama del árbol.
Klimt creó este espectacular friso para el industrial belga Adolphe Stoclet, que encargó la decoración de su palacio a Hoffman y Klimt. Los mosaicos fueron elaborados en los Talleres de Viena.

6. Luz y sombra.

Lo más destacable la luz que hay detrás del árbol central del cuadro. Las figuras intentan alejarse del sol pero los rayos penetran a través del follaje del árbol, creando interesantes efectos de luz y sombra dándole un gran protagonismo al árbol. La luz refuerza la intensidad de los colores mientras que la sombra se convierte en tonos malvas – recurso muy habitual en el Impresionismo – diseminada a través de las figuras y del escenario.

La luz de las figuras laterales, es escasa, principalmente la parte inferior. De esta forma adquiere el mayor protagonismo el árbol, símbolo de la vida.

7. Composición.

Los tres elementos que destacan en el cuadro son la mujer que está sola a la izquierda, el árbol que representa el árbol de la sabiduría de la vida y la mujer que está abrazada con otra persona, esto puede representar a una pareja de enamorados. En este cuadro puede haber un poco de simetría porque si divides el cuadro por la mitad, en el centro del árbol, las dos partes que quedan tienen sentido, porque cada elemento del cuadro queda en una parte del cuadro.

FERNANDO BOTERO

 

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